Patti Smith, surnommée la marraine du punk, incarne une voix, une présence scénique et un charisme incroyables. Le plus bel exemple de son impact s'est déroulé sur scène à Bercy en 2015 : invitée par U2, elle interpréta avec Bono deux de ses chansons. Dès le premier couplet de People Have The Power, elle réussit (enfin) à faire lever la foule, après une heure et demie d'un show millimétré mais manquant de chaleur de la part des stars de la soirée, U2.

L'équipe de Radio Collection ne manque jamais une occasion d'assister à un concert de Patti Smith sur les scènes françaises, et ce depuis plus de deux décennies. Chaque set est unique, ne serait-ce que par l'attitude de l'artiste : parfois habitée par ses démons, mais surtout capable d’envoûter la scène, l’espace et la foule par une énergie qu’elle transmet intensément à son public.

Ces deux dernières années, à 78 ans, son énergie a légèrement diminué, comme en témoigne la tournée 2024, où elle a parfois été aidée pour quitter la scène. Pourtant, son charisme reste intact. Désormais, ses sets mêlent chansons rock et lectures de poèmes, un retour aux sources pour cette artiste qui a commencé sa carrière en récitant ses textes sur scène. Très vite, elle a ressenti une furieuse envie de chanter ses poèmes sur une musique punk rock, comme pour donner du relief à sa colère, et à une époque où les artistes manquaient souvent de profondeur de texte depuis la disparition de Janis Joplin, de Jim Morrison et de Jimi Hendrix; alors Patti Smith a voulu rallumer la flame en enregistrant un album punk et dissident, empreint d’une violence contenue mais palpable, exprimée par des paroles poétiques alliant sensibilité et révolte. De cette ambition est né, en décembre 1975, son premier album, Horses. Les textes y prennent vie sur des compositions mêlant punk et rock alternatif. Les chansons évoquent les thèmes de la liberté, le fait de s'affranchir des règles des conventions et des contraintes, tirées de ses expériences personnelles et familiales. 

L’enregistrement de cet album fut tout sauf un long fleuve tranquille, en grande partie à cause des tensions entre les musiciens Tom Verlaine (Television) et Allen Lanier (Blue Öyster Cult), tous deux amants de Patti Smith. Ces tensions culminèrent en une bagarre dans le studio lors d’un désaccord sur les arrangements. Des frictions apparurent également entre Patti et le producteur de l’album, John Cale : Patti refusait tout compromis artistique, tandis que Cale cherchait à canaliser son énergie brute.

Horses contient 8 morceaux. Voici la liste des chansons et quelques détails sur chacune :

1. Gloria

L'album ouvre avec l’iconique Gloria, une réinterprétation du titre de Van Morrison; réinterprétation car Patti ne retient que le refrain original, et ajoute des couplets très personnels qui ont fait scandale. Elle commence la chanson avec une provocation envers la religion extraite de son poème Oath : Jesus died for somebody’s sins, but not mine (Jésus est mort pour les péchés de quelqu'un, mais pas les miens). Patti Smith a écrit Oath en 1970, en réponse à son éducation de témoin de Jéhovah; le poème disait aussi : Christ, je te fais mes adieux, je te vire ce soir; Adam ne m’a jeté aucun sort. Sur Gloria, elle poursuit : Mes péchés n'appartiennent qu'à moi; les gens me disent de faire gaffe, mais j'en ai rien à foutre. Les mots sont simplement des règles et des règlementations pour moi.

Boom : le ton de l’album est lancé; Patti poursuit la chanson avec des paroles ambigues laissant entrevoir une relation lesbienne qui vaudra au titre d'être le porte étendard LGBT; elle joue avec les codes de genre pour offrir une liberté d'intérprétation qui n'est pas sans rappeler la pochette de l'album : revétue de la chemise emruntée à son frère, elle aborde un style androgyne.  Le mouvement punk, dont Patti Smith devenait une figure majeure, prônait une rupture avec les codes traditionnels de la société. Les femmes et les lesbiennes impliquées dans ce mouvement trouvaient en Patti une figure qui incarnait la force, l'indépendance et la capacité à s'exprimer sans concession.

• Redondo Beach

Cette chanson raconte une histoire d’amour perdu sur une plage californienne.

• Birdland

Morceau purement poétique et expérimental indpiré par un passage du livre Une Vie de Henry Muller. 

• Free Money

Patti Smith raconte un souvenir d’enfance où sa mère rêvait de gagner à une loterie, afin d'échapper à sa vie modeste. Au fur et à mesure de la chanson, Patti Smith élève ce désir matériel en une vision poétique plus universelle. Elle décrit un monde où l'argent permettrait de réaliser des rêves : voyager, être libre, donner à ses proches ce qu'ils désirent. Mais avec l'idée que l’argent symbolise la possibilité de devenir libre, de s'affranchir des contraintes.

La chanson commence doucement, avec une mélodie presque intime, avant de s'enflammer en un crescendo puissant. Ce contraste illustre la montée en puissance des émotions et des aspirations.

• Kimberly

Cette chanson est dédiée à la sœur cadette de Patti Smith. 

• Break It Up

Chanson Co-écrite avec Tom Verlaine (du groupe Television), qui est à la fois un hommage à Jim Morrison et une métaphore de la lutte pour se libérer de ses contraintes, qu’elles soient physiques, émotionnelles ou spirituelles. La chanson célèbre l'idée que même face aux forces qui nous immobilisent, il est toujours possible de les briser et de se libérer. Patti Smith a écrit Break It Up après avoir rêvé de Jim Morrison. Dans son rêve, elle voyait Jim Morrison transformé en statue de pierre, essayant désespérément de se libérer.

La chanson s'ouvre sur une vision quasi mystique d'une figure enfermée dans le marbre, incapable de bouger. Ce thème de l'immobilité évoque une stase, un état figé de l'âme ou de la créativité. Patti Smith implore que cette figure soit libérée, criant Break it up! (brise-le !). Cela représente une volonté de destruction des barrières qui empêchent la liberté, qu’elles soient matérielles ou symboliques. 

• Land 

Land est composé de trois parties (Horses, Land of a Thousand Dances, et La Mer (De)). Elle raconte l’histoire surréaliste et violente de Johnny, un personnage fictif.

• Elegie

Elegie est une ballade sombre sur la perte de la mémoire, dédiée à Jimi Hendrix et à tous les artistes disparus. Elle a été enregistré dans le studio Electric Lady, que Jimi Hendrix avait fait construire avant sa mort.

Première émotion musicale.. avec un CD..

J'évoque dans d'autres articles et podcasts les différences, et parfois la guéguerre, le débat d'experts dirons-nous, entre le vinyle et le CD...

Toute proportion gardée mais de façon imagée, c'est un peu comme le passage du fax à internet...: après des milliers de vinyles posés inlassablement sur les platines durant plusieurs années, voici soudainement une nouvelle technologie que nous touchions; ce fut le tout premier album de ma vie que j'ai eu dans mes mains en version CD ! ex-aequo avec Songs from a big chair  de Tears for Fears.

Nous étions en Mai 1985, le printemps pointait vraiment son né, et grâce à un partenariat entre la FNAC et la radio FM pour laquelle je travaillais, chaque semaine nous repartions d'une séance d'écoute et d'échanges avec les disquaires du magasin de la rue de la république à Lyon, avec sous le bras les meilleures sorties de la semaine.

Les CD étaient encore bien rares, et c'était un privilège que de se voir confier un CD.. privilège aussi car nous étions à la radio équipés de 2 platines CD qui coutaient à l'époque une petite fortune.

L'écoute de cet album en version CD fut une révélation; non seulement nous étions libérés des craquements inhérents au vinyle, mais les silences au sein des titres étaient pour la première fois bien identifiables; chaque instrument semblait se libérer du tronc commun, avec une dynamique jamais entendue alors, et que dire de la qualité sonore, mais aussi évidemment du talent de Mark Knopfler, de l'écart acoustique et de l'écart de travail et de talent musical, face au déferlement du disco italien et allemand dont nous étions les victimes dans les années 80. Entre les boîtes à rythme et la médiocrité commerciale de Tarzan Boy et Brother Louie, les adeptes des synthés à outrance de Sigue Sigue Sputnik, les sachants vantaient la mort à venir de la quitare électrique, alors que les discothèques vivaient leur âge d'or sur une soupe rythmée.  

Et soudainement sortait en ce mois de mai 1985 Brothers in Arms et le jeu de guitare si caractéristique en finger picking de Mark Knopfler, les vibrations naturelles de la grosse caisse et des cordes de la basse.       

Ce choc musical nous a rendus conscients que nous avions une galette dans les mains minuscule face aux 33 tours, mais quelle bombe, dont nous avions musicalement besoin (Sabrina et Boys Boys Boys nous attendaient au prochain virage cependant...).

C'est ainsi qu'à grand renfort de publicité quotidienne sur 1/4 de page dans le journal régional, nous décidions de partager avec nos auditeurs un album génial, et donc de le diffuser à l'antenne le soir même de sa sortie officielle, sans pub, sans intervention d'un animateur, dans les conditions du CD : les blancs entre les titres (avec un petit jingle de temps en temps cela dit pour laisser une trace sur les K7 des auditeurs et éviter la profusion de K7 pirates sur les marchés..). 

Cela nous attira les foudres de la maison de disque, car nous avions donné aux auditeurs qui évidemment avaient sans doute tous le doigt sur la gachette du magnéto K7, l'opportunité unique de disposer gratuitement de l'album entier avant même les premières heures de sa commercialisation.

Là ou à l'époque nous écoutions l'album dans son intégralité, avec la cohérence de la succession des chansons, le streaming aujourd'hui ne permet plus de se plonger dans le travail des artistes. C'est comme si nous entamions un livre depuis le milieu, sans en comprendre l'histoire puisque nous n'avons pas lu les  premiers chapitres, et ne lirons pas les suivants... entre l'émotion musicale et le zapping, il faut choisir..  Aurions-nous le même plaisir et ressentirions-nous la même intensité en déboulant dans un concert au moment du rappel uniquement ? 

Bref..venons-en au contenu de l'album..

- So Far Away  (5:12; chanson douce et mélodique sur la distance et la solitude, très populaire à la radio). 

- Money for Nothing (8:26; titre phare de l'album, avec son riff de guitare légendaire et la participation de Sting pour la phrase "I want my MTV". La chanson critique l'industrie musicale et les perceptions des artistes célèbres. Voir ci-dessous..)

- Walk of Life (4:12; ce titre rend hommage aux musiciens de rue et à l'esprit du rock 'n' roll).

- Your Latest Trick (6:33; chanson jazzy et mélancolique, marquée par un solo de saxophone mémorable. Elle explore les thèmes de l’amour et du désenchantement  

- Why Worry (8:31; ballade apaisante et introspective, avec une atmosphère rêveuse. Elle transmet un message de réconfort et d’espoir).  

- Ride Across the River (6:58; chanson aux accents reggae et world music, avec des paroles évoquant la guerre et l'aventure).  

- The Man’s Too Strong (4:40; morceau acoustique et intense, abordant des thèmes comme la culpabilité, la religion et la rébellion contre l'autorité).  

- One World (3:40; chanson funky et rythmée qui parle d’unité et de connectivité mondiale).  

- Brothers in Arms (6:55; la chanson-titre, épique et émouvante, qui explore les thèmes de la guerre et de la fraternité).  

Le single Brothers in Arms

Money for Nothing

Walk Of Life

Mark Knopfler a écrit Walk of Life comme une célébration des racines du rock 'n' roll. La chanson raconte l’histoire de Johnny, un musicien de rue jouant des classiques et chantant pour divertir les passants. À travers ce personnage fictif, Knopfler rend hommage aux musiciens qui partagent leur passion, parfois dans l’ombre de l’industrie musicale commerciale.

Les références à des chansons mythiques comme Be-Bop-A-Lula (Gene Vincent, 1956) ou What’d I Say (Ray Charles, 1959) témoignent de l’amour de Knopfler pour la musique des années 1950 et 1960.  

Contrairement aux autres morceaux plus introspectifs de Brothers in Arms, Walk of Life se distingue par son optimisme et son énergie. La mélodie entraînante, dominée par les claviers d’Alan Clark, évoque une ambiance de fête. Le riff d’orgue Hammond est immédiatement reconnaissable et donne à la chanson une texture unique, combinant nostalgie et fraîcheur.  

Pourtant, Walk of Life a failli ne pas apparaître sur l’album. Pendant l’enregistrement aux studios AIR Montserrat, certains membres de l’équipe pensaient que la chanson n’était pas à la hauteur des autres morceaux plus sérieux ou complexes de l'album. Ce fût l'avis également de Neil Dorfsman le coproducteur. Mais grâce à son attrait universel et son potentiel de tube, elle a été retenue et est finalement devenue l’un des morceaux les plus populaires de Dire Straits et un incontournable de leurs concerts.  

Your Latest Trick

La chanson est une ballade mélancolique et jazzy qui s’est rapidement imposée comme l’un des titres les plus distinctifs du groupe. Avec son ambiance nocturne et son solo de saxophone inoubliable, elle raconte une histoire empreinte de nostalgie et de désillusion. 

Les paroles explorent les thèmes de l’amour, de la trahison et du désenchantement. Mark Knopfler y décrit une relation qui s’effrite, empreinte de manipulations émotionnelles et d’un sentiment de lassitude. La phrase "Your latest trick" (littéralement, "ton dernier tour") suggère que le narrateur est fatigué des jeux de manipulation et des subterfuges de son partenaire. C’est une réflexion sur les relations humaines et la manière dont elles peuvent devenir complexes ou même toxiques.  

Le solo de saxophone, joué par Michael Brecker, est l’élément le plus marquant de la chanson. Knopfler a voulu que Your Latest Trick ait une ambiance nocturne, rappelant les ballades de jazz classique. Brecker, a apporté une texture unique au morceau. Le solo d’ouverture, mélodieux et émouvant, est souvent cité comme l’un des meilleurs moments musicaux de l’album. L’utilisation de la trompette bouchée et des arrangements subtils accentue encore davantage l’atmosphère élégante et intime du morceau.  

Bien que Your Latest Trick n’ait pas été un énorme succès commercial, elle est devenue un classique pour les fans du groupe. Sa sophistication musicale et ses paroles poignantes lui ont valu une place particulière dans le répertoire de Dire Straits. La chanson a également été un moment fort des concerts du groupe, où le solo de saxophone était souvent prolongé pour captiver le public.  

LES CONFLITS COMME CONSTANTE

Sorti le 4 février 1977, Rumours est l'un des albums les plus emblématiques de l'histoire de la musique rock. Plus de quarante millions d'exemplaires ont été vendus au travers le monde, dont la moitié aux Etats-Unis, ce disque a donc été récompensé aux Etats Unis de 20 disques de platine. 

La transformation du groupe, du style, du son

Avant d'évoquer cet album, il faut comprendre la transformation du groupe. Car Fleetwood Mac, c'est avant tout 2 époques différentes : sous l'ère de Peter Green, puis à l'arrivée de Stevie Nicks et de Lindsey Buckingham dans le groupe. Ces époques reflètent des styles musicaux et des dynamiques complètement différents.

Le groupe a été formé en 1967 par Peter Green, Mick Fleetwood et John McVie, avec un son principalement ancré dans le blues rock britannique, intégrant du Blues électrique influencé par des artistes comme Howlin’ Wolf et Elmore James, des morceaux instrumentaux, des chansons avec des solos de guitare marquants. L'identité était alors expérimentale et underground.

Peter Green (guitare, chant) était le leader du groupe à cette époque, et l'auteur de classiques comme Albatross et surtout Black Magic Woman, reprise quelques années après par Carlos Santana. Jeremy Spencer et Danny Kirwan (guitares et chant) ont contribué à l'évolution du son du groupe. Au delà d'Albatross et de Black Magic Woman, des morceaux comme Oh Well et Man of the World ont eu un succès en Europe. Peter Green quitta le groupe en 1970 en raison de problèmes de santé mentale et de consommation de drogues, le son devint alors plus folk et rock sous des membres comme Bob Welch.

La transformation majeure viendra de l’arrivée en 1974 de Stevie Nicks et Lindsey Buckingham qui va transformer totalement le groupe : Fleetwood Mac cherchait un nouveau guitariste après le départ de Bob Welch; Mick Fleetwood a entendu l'album Buckingham Nicks (1973) et a été impressionné par le talent de Buckingham. Lorsque Mick Fleetwood a offert le poste de guitariste à Lindsey Buckingham, celui-ci a fait de la venue de Stevie Nicks dans le groupe la condition pour que lui-même rejoigne Fleetwood Mac. Le style musical devint pop rock mélodique à tendance commerciale, avec des harmonies vocales riches et un équilibre entre le rock énergique de Lindsey Buckingham, les ballades mystiques de Stevie Nicks, et le style fluide de Christine McVie.

Le premier album enregistré avec Nicks et Buckingham fut Fleetwood Mac (souvent surnommé The White Album) en 1975 qui contient des succès comme Rhiannon et Landslide, écrits par Stevie Nicks. Il remporta un très grand succès et solidifia la nouvelle formation, préparant le terrain pour Rumours (1977), qui est devenu l'un des albums les plus vendus et emblématiques de l'histoire de la musique.

Face à un tel succès, il fallait faire encore mieux, leur maison de disques Warner Bros. Records s'attendait à un projet commercialement viable, ce qui a poussé le groupe à perfectionner chaque détail et a déclenché une très forte pression et des tensions.

Enregistrement sur fond de conflits

Enregistré en 1977, Rumours est l'album le plus célèbre du groupe.

Il fut écrit dans une période de tensions extrèmes au sein du groupe, tant personnelles que professionnelles : Stevie Nicks et Lindsey Buckingham qui étaient alors en couple, se séparaient, leur relation devenant tumultueuse. Christine McVie et John McVie, mariés depuis 8 ans, étaient en pleine procédure de divorce.  Et le leader du groupe, Mick Fleetwood, apprenait que sa femme, Jenny Boyd*, le trompait. Stevie Nicks et Mick Fleetwood entamèrent alors une liaison qui ajouta une couche supplémentaire aux tensions déjà omniprésentes au sein du groupe. Fleetwood Mac a réussi malgré tout à maintenir un équilibre professionnel et à continuer à travailler ensemble malgré les conflits personnels.

Ce sont ces émotions, ces tensions, ces relations complexes au sein du groupe qui ont auto-alimenté leurs propres conflits, provoqué des disputes violentes durant l'enregistrement, mais également leur créativité et une alchimie musicale. L’album en lui-même est ainsi le reflet des conflits et des émotions intenses vécus par tous les membres à cette époque : il évoque l'amour et la rupture, la douleur et la trahison, l'espoir et la résilience. Les sessions d'enregistrement au studio The Record Plant à Sausalito ont duré près d'un an, marquées par des nuits longues, des disputes et une consommation importante de drogues et notamment de cocaïne.

 (* Jenny Boyd est la soeur de Pattie Boyd, qui fut mariée à Georges Harrisson (The Beatles) après avoir trompé Eric Clapton..).    

Les chansons de l'album :

• Second Hand News (Buckingham)  
• Dreams* (Stevie Nicks)  
• Never Going Back Again (Buckingham) 
• Don't Stop (Christine McVie) : utilisé dans la campagne de Bill Clinton en 1992
• Go Your Own Way* (Buckingham) : 1er single de l'album, succès immédiat  
• Songbird (Christine McVie)
• The Chain (Fleetwood Mac; chanson coécrite par tous les membres)
• You Make Loving Fun (Christine McVie)
• I Don't Want to Know (Stevie Nicks, Buckingham)
• Oh Daddy (Christine McVie)
• Gold Dust Woman (Stevie Nicks)

The Chain, seule chanson écrite collectivement par tous les membres, symbolise leur unité malgré les épreuves. Les paroles (If you don't love me now, you will never love me again) reflètent leur engagement à rester ensemble professionnellement, même si leurs vies personnelles étaient en ruine.

Christine et John McVie, mariés depuis huit ans, étaient en train de divorcer pendant l'enregistrement. Christine a écrit You Make Loving Fun, une chanson optimiste sur sa romance avec un autre homme, ce qui n'a pas manqué de créer des tensions avec John, qui jouait la basse sur le morceau.  

Dreams et Go Your Own Way sont des réponses directes entre Buckingham et Nicks sur leur relation tumultueuse et leur rupture :

Rumours est devenu un phénomène mondial, consolidant Fleetwood Mac comme l'un des plus grands groupes de tous les temps, mais le succès n'a pas apaisé les tensions internes. Les problèmes personnels et les excès ont continué à affecter le groupe dans les années suivantes. Plus tard, les membres ont évoqué cette période avec un mélange d'affection et de douleur : Ils reconnaissent que les tensions avaient permis de créer un chef-d'œuvre, mais à un coût émotionnel énorme.

Et après Rumours ?

L'album suivant est Tusk (1979). Plutôt que de réitérer la formule de Rumours, Lindsey Buckingham a poussé le groupe vers une direction plus expérimentale. Tusk n'a pas eu le même succès commercial (il s'est tout de même vendu à 4 millions d'exemplaires), mais a été salué pour son audace artistique. Les tensions internes persistaient, mais le groupe travaillait encore en harmonie relative sur le plan professionnel.

Durant les années 80, Stevie Nicks se lança dans une carrière solo, et Lindsey Buckingham a quitté le groupe (une première fois) en 1987 après des disputes concernant l’album Tango in the Night, qui pourtant est devenu un énorme succès. Il reviendra au sein du groupe dans les années 90 mais fut licencié du groupe en 2018 sans doute en raison de conflits persistants avec Stevie Nicks.

Christine Mc Vie a quitté le groupe en 1998 avant de revenir en 2014 et de décéder en 2022 à l'âge de 79 ans.

The Dark Side of the Moon est l'un des albums les plus emblématiques de Pink Floyd et de l'histoire du rock. Sorti le 1er mars 1973, il marque un tournant dans la carrière du groupe, à la fois par sa complexité thématique, et ses innovations sonores. La qualité sonore et les thèmes profonds abordés assurent son immense succès commercial : il est resté dans le classement Billboard 200 pendant plus de 14 ans (741 semaines), un record. Il a influencé des générations de musiciens et reste un standard en matière de production et de conception d’albums.

La pochette, conçue par Hipgnosis et George Hardie, représente un prisme décomposant la lumière, symbolisant la simplicité et la complexité de l’album.

The Dark Side of the Moon est bien plus qu’un album ; c’est une œuvre intemporelle qui continue de fasciner et a une place centrale dans l’histoire du rock progressif.

1/ Enregistrement de l’album

L’album a été enregistré aux Abbey Road Studios à Londres entre mai 1972 et janvier 1973, avec comme ingénieur du son Alan Parsons, qui a joué un rôle clé dans la production de l’album. Son travail innovant avec les techniques de mixage et les effets sonores a profondément influencé le son final.

Pink Floyd a utilisé les toutes dernières technologies de l’époque, y compris des enregistreurs multipistes 16 pistes, ce qui était rare pour l'époque (voir notre article concernant Breakfast In America) et des synthétiseurs comme le EMS Synthi AKS et le VCS3.

Le groupe a également utilisé des bandes enregistrées pour intégrer des sons de bruitages (cloches de caisse, battements de cœur, rires, conversations).
Certaines chansons, comme Time et Money, ont été jouées en live avant même d'être enregistrées, ce qui a permis au groupe de les peaufiner.

Les paroles ont été majoritairement écrites par Roger Waters. Elles explorent des thèmes universels comme la vie, la mort, la folie, l’argent, et les pressions de la société moderne.

David Gilmour (guitare et chant) a contribué à l’écriture de la musique et à la composition des solos, notamment celui de Time.

Richard Wright (claviers) a joué un rôle clé dans l’élaboration de l’atmosphère sonore de l’album, notamment sur The Great Gig in the Sky.

Nick Mason (batterie) a contribué à l’ajout de sons expérimentaux et a supervisé l'intégration des effets sonores

2/ Les thèmes abordés

1. Speak to Me / Breathe évoque la naissance et les premières inspirations de la vie.
2. Time : la fuite du temps et le regret de ne pas l’utiliser efficacement.
3. Money est une critique ironique de l'argent facile, de la société de consommation, et du capitalisme. Paradoxe et ironie : le groupe gagnera beaucoup d'argent avec cette chanson qui lui procurera également une énorme notoriété.
4. Us and Them aborde les conflits, la guerre, les divisions humaines.
5. The Great Gig in the Sky : voir ci-dessous.
6. Brain Damage est une exploration de la folie, inspirée par l’état mental de l’ancien membre du groupe, Syd Barrett (on en reparle également ci-dessous). Les rires que l'on entend sont ceux des employés d’Abbey Road; Roger Waters leur posait des questions existentielles.
7. Eclipse est une conclusion philosophique de tous les thèmes abordés sur l'album.

L’album commence et se termine par des battements de cœur, symbolisant le cycle de la vie.

3/ The Great Gig in the Sky  

Roger Waters posait des questions existentielles aux employés des studios d’Abbey Road, comme : « Avez-vous peur de la mort ? », on peut alors entendre au début de la chanson le concierge des studios, Gerry O'Driscoll, dire : And I am not frightened of dying. Any time will do; I don't mind. Why should I be frightened of dying? There's no reason for it; you've gotta go sometime.

Cette chanson est une réflexion sur la mort, sublimée par la voix de Clare Torry qui a totalement improvisé sa partie vocale en une prise unique.

Clare Torry n'était pas une chanteuse célèbre à l'époque de son recrutement. Elle travaillait principalement comme choriste et chanteuse de sessions. Elle a été recommandée par Alan Parsons, l'ingénieur du son de l'album, qui avait collaboré avec elle auparavant.

Appelée un dimanche à son domicile, elle a d'abord refusé de venir ne prenant pas au sérieux la demande en pretextant un agenda chargé; sur l'insistance d'Alan Parsons, elle se décida à venir sans savoir ce que Pink Floyd attendait d'elle. Elle savait seulement que le groupe recherchait une voix pour un morceau qui évoquait la mort, et qu’ils souhaitaient une performance vocale improvisée, le groupe attendait d'elle qu’elle ressente la musique et improvise entièrement.

Alors elle a commencé à chanter à l'instinct, en gémissant et faisant des variations vocales censées traduire une gamme d’émotions intenses, allant de la douleur à l’extase. Son chant évoque les différentes étapes de la vie et de la mort, de la peur au lâcher-prise, en passant par l’acceptation.

Après la première prise, elle s’est excusée, pensant que son improvisation était exagérée. Mais le groupe, impressionné, a demandé quelques ajustements mineurs et a utilisé la performance telle quelle.

Sa contribution a été un élément central du succès et de l’impact émotionnel de The Great Gig in the Sky. Sa voix a capté l’essence du thème de la mort sans utiliser de paroles, rendant le morceau universellement compréhensible. Elle a transformé un simple morceau instrumental en une pièce vocale puissante, pleine de vie et de vulnérabilité.

Démarche juridique

Pour sa prestation, Clare Torry a reçu un paiement forfaitaire de 30£, somme habituelle pour une chanteuse de session à l’époque, et n'a pas été créditée comme co-auteur de la chanson, son nom n'apparaissant que dans la section des remerciements.

Dans les années 1990, Clare Torry a commencé à revendiquer une plus grande reconnaissance pour sa contribution à la chanson. Elle estimait que son interprétation vocale improvisée constituait une véritable création artistique et méritait un crédit de co-écriture.

En 2004, elle a intenté un procès contre EMI et Pink Floyd, demandant à être reconnue comme co-autrice de la chanson. Le tribunal a donné raison à Clare Torry, reconnaissant que sa contribution était essentielle à la composition du morceau. Elle a obtenu un crédit officiel de co-auteur aux côtés de Richard Wright, le compositeur original de la piste instrumentale.

Depuis le verdict, toutes les rééditions de The Dark Side of the Moon créditent Clare Torry comme co-autrice de The Great Gig in the Sky. Cette affaire a soulevé des discussions dans l’industrie musicale sur les droits des musiciens de session et leur rôle dans le processus créatif.

4/ Relations entre les membres du groupe

À l’époque de l’enregistrement, les membres du groupe étaient encore unis autour d’une vision commune, mais les tensions commençaient à émerger, en particulier entre Roger Waters et David Gilmour. Roger Waters a progressivement pris le contrôle créatif de Pink Floyd. Bien que cela ait donné naissance à des chefs-d'œuvre comme The Dark Side of the Moon, cette dynamique a aussi semé les graines des conflits futurs.

Même si Syd Barrett avait quitté le groupe plusieurs années auparavant, son influence était encore palpable. Sa descente dans la folie a inspiré des chansons comme Brain Damage.

Syd Barrett, le membre fondateur de Pink Floyd, est venu brièvement en studio pendant les sessions d’enregistrement de The Dark Side of the Moon. Cependant, cet événement est entouré d’un mélange de mystère et d’émotion, car il est survenu plusieurs années après son départ du groupe en raison de problèmes de santé mentale et de son comportement imprévisible, largement attribués à sa consommation excessive de drogues psychédéliques.

En format vinyle pour mieux apprécier les détails de la pochette et respecter scrupuleusement la succession des titres, extirper délicatement la galette de sa pochette, éviter l'électricité statique et la dépose d'empreintes, déposer avec précision le diamant en évitant une grosse tension nerveuse qui rigidifierait les doigts et ferait trembler le poignet au risque de transformer l'experience en percuteur de chantier, chaque écoute de cet album est un processus mêlant angoisse, joie, voyage.

Avant Breakfast in America, Supertramp avait déjà connu un certain succès avec l'excellent album Crime of the Century sorti en 1974, mais ils restaient considérés comme un groupe de niche. Avec Breakfast in America, ils sont passés à un statut de superstars mondiales. 

Cet album Breakfast In America se doit d'être dans toute discothèque des passionnés de musique, compte tenu de l'innovation musicale et technique dont il a fait l'objet, sa musique avant-gardiste est toujours d'actualité. C'est un incontournable, un chef d'oeuvre Pop Rock, intemporel. Vendu à 22 millions d'exemplaires (dont 3 millions en France, 3ème album le plus vendu), il eut un mondial gigantesque.

L'album contient des tubes légendaires qui sont devenus des classiques du rock :

   - The Logical Song, l’un des plus grands succès du groupe, est une réflexion sur la perte d’innocence à l'âge adulte, et l’aliénation que peut provoquer l’éducation formelle; cette chanson est largement autobiographique pour Hodgson, qui a exprimé sa frustration face au fait que le système scolaire mettait trop l’accent sur la logique et pas assez sur la créativité.

   - Breakfast in America, satire de l'idéal américain, sur une mélodie légère et enjouée.

   - Goodbye Stranger qui exprime la liberté.

   - Take the Long Way Home, chanson introspective.

Chaque morceau de Breakfast in America est soigneusement construit et contribue à l'unité de l'album. Il n'y a pas de remplissage : chaque titre a une personnalité propre, et l’ensemble forme un voyage cohérent.

1/ L'enregistrement : qualité et innovation

Enregistré en 1978 dans les studios Village Recorder de Los Angeles, ce studio était déjà réputé dans les années 70 pour sa qualité acoustique et son équipement haut de gamme. Supertramp a travaillé avec un équipement de pointe pour l’époque, sous la direction du producteur Peter Henderson et de l’ingénieur du son Russel Pope :

• La console d'enregistrement utilisée était une console Neve, reconnue pour sa chaleur et sa précision. Cela a contribué à donner à l’album un son riche et clair.

• L’album a été enregistré sur un magnétophone Studer A80 24 pistes, c'était l'un des premiers albums à utiliser 24 pistes là ou la plupart des enregistrements se faisaient encore sur 4 ou 8 pistes.

• Des effets analogiques classiques comme les réverbérations à plaques EMT et des unités de delay à bande ont été utilisés pour ajouter de la profondeur aux pistes.

• Le mixage s’est fait avec des haut-parleurs Altec Lansing et des systèmes spécifiques à l’acoustique du studio.

Supertramp a toujours été un groupe méticuleux dans le choix de ses instruments, et cet album ne fait pas exception. Voici les principaux instruments utilisés :

• clavier Fender Rhodes pour The Logical Song

• clavier Wurlitzer Electric Piano qui donne une intro lumineuse à Breakfast in America.

• clavier Hohner Clavinet pour les textures funky de Goodbye Stranger.

• piano électrique Yamaha CP-70 pour les parties les plus dynamiques.

• harmonium acoustique

• piano acoustique

• orgue Hammond B3

• guitare Gibson Les Paul et une guitare Fender Stratocaster, utilisées par Roger Hodgson et Rick Davies.

• guitare acoustique Martin

• guitare basse Gibson Ripper Bass

• guitare basse Moog Taurus Bass Pedals

• batterie Ludwig avec des cymbales Zildjian

• saxophones Selmer utilisé par John Helliwell

• diverses percussions : Tambourins, cuivres, shakers et autres pour enrichir l’arrangement.

Les voix ont été superposées via plusieurs pistes pour obtenir un effet particulier, et l'usage du double tracking a été utilisé sur les voix et certains instruments pour donner plus de profondeur, sans compter qu'une attention particulière a été portée au placement des micros pour capturer les nuances du piano et du saxophone.

En somme, l’album doit sa qualité sonore à un mélange d’expertise technique, d’équipements de pointe et de l’utilisation créative d’instruments variés. Breakfast in America est un exemple parfait d’un enregistrement analogique des années 70 réalisé avec un soin méticuleux et un souci du détail.