Là où son premier album jouait sur la surprise et l’ironie immédiate, moisturizer creuse plus loin : plus dense, plus sentimental, mais toujours mordant, l’album conserve l’humour acide et le sens du refrain qui ont fait la réputation du groupe, tout en gagnant en épaisseur émotionnelle et en puissance collective.

D’un duo viral à un véritable groupe

Originaire de l’île de Wight, Wet Leg s’est d’abord fait connaître en 2021 grâce au single “Chaise Longue”, devenu viral pour son minimalisme post-punk et son absurde désinvolture. Le cœur créatif reste porté par Rhian Teasdale (chant, guitare) et Hester Chambers (guitare, chant), mais moisturizer marque un tournant fondamental dans l’histoire du groupe.

Les musiciens de tournée – Josh Mobaraki (guitare), Ellis Durand (basse) et Henry Holmes (batterie) – deviennent membres à part entière. Ce changement se ressent immédiatement : le son est plus massif, plus organique, plus incarné. Wet Leg n’est plus seulement un duo entouré, mais un véritable groupe, capable de nuances comme d’impact frontal.

moisturizer (2025) : un album plus abouti et plus émotionnel

Sorti le 11 juillet 2025 chez Domino Recording Company, moisturizer est produit par Dan Carey et mixé notamment par Alan Moulder. La production gagne en profondeur : guitares tranchantes, basse très présente, batterie nerveuse, voix tantôt détachée, tantôt étonnamment fragile.

Composé de 12 titres, l’album aborde les thèmes de l’obsession amoureuse, de la dépendance affective, de l’anxiété et des relations contemporaines, toujours avec ce mélange de distance ironique et de sincérité désarmante. Derrière les formules sèches et les punchlines, moisturizer se révèle beaucoup plus sentimental qu’il n’y paraît.

Dès les premières écoutes, moisturizer aligne une série de titres qui s’imposent naturellement à l’antenne comme sur scène.

catch these fists ouvre le bal avec une énergie garage-punk immédiate, taillée pour le live. liquidize accentue la tension, plus nerveuse, presque anxieuse. CPR, souvent citée comme l’un des sommets du disque, incarne parfaitement l’équilibre Wet Leg : efficacité pop et nervosité post-punk.

Parmi les titres les plus marquants, mangetout s’impose rapidement, porté par un riff imparable et une ironie ravageuse. Davina mccall révèle une facette plus douce et rêveuse, presque nostalgique, tandis que pond song séduit par son refrain lumineux et sa redoutable efficacité.

Plus clivante, pokemon assume un ton pop et feel-good qui divise la critique mais renforce l’identité décomplexée du groupe. En fin de parcours, pillow talk et u and me at home offrent des conclusions intenses et émotionnelles, flirtant parfois avec le shoegaze, et laissant une impression durable.

Un accueil critique largement positif

La presse spécialisée a majoritairement salué moisturizer comme un véritable pas en avant. Plus cohérent, plus construit, l’album est perçu comme la preuve que Wet Leg a su dépasser l’étiquette de phénomène viral pour s’installer dans la durée. Les critiques mettent en avant la qualité d’écriture, la force des refrains, la cohérence d’ensemble, et la capacité du groupe à évoluer sans perdre son identité.

Si certains morceaux sont jugés plus légers ou expérimentaux, l’ensemble est unanimement reconnu comme un disque solide, ambitieux et marquant pour la scène indie britannique de 2025.

Sur scène, moisturizer confirme tout son potentiel. Wet Leg a enchaîné plus d’une centaine de concerts en 2025, avec une tournée nord-américaine majeure et de nombreuses dates européennes et festivals. Les nouveaux titres occupent une place centrale dans les setlists, preuve que l’album a été pensé comme un disque vivant, fait pour être joué, transpiré et partagé.

Le choix évident de RADIO COLLECTION

En plaçant moisturizer au rang d’album n°1 de 2025, RADIO COLLECTION salue un disque qui incarne parfaitement l’esprit pop-rock contemporain : audacieux, accrocheur, sincère et libre. Wet Leg réussit ici un équilibre entre efficacité radiophonique et crédibilité artistique.

moisturizer installe Wet Leg parmi les groupes majeurs de 2025.

Le glam rock flamboyant de 2025, entre héritage et renaissance

En 2025, alors que le rock contemporain oscille souvent entre minimalisme indie et production ultra-lissée, Gyasi surgit comme une évidence. Avec Here Comes The Good Part, le chanteur-guitariste américain signe un album solaire, flamboyant et résolument rock, qui s’est imposé comme l’un des disques les plus appréciés par la rédaction de RADIO COLLECTION en 2025, au point d’en devenir l’un des plus diffusés à l’antenne.

Un artiste habité par le glam, pas prisonnier du rétro

Originaire de Virginie-Occidentale et aujourd’hui installé à Nashville, Gyasi revendique une filiation directe avec le glam rock des années 70 — David Bowie, Marc Bolan (T. Rex), Alice Cooper, Suzi Quatro — tout en refusant l’exercice muséal. Chez lui, le glam n’est ni citation figée ni nostalgie : c’est une énergie vivante, un langage esthétique et musical qu’il remet en circulation avec une sincérité désarmante.

Formé au Berklee College of Music, passé par la scène psych-garage avant de se forger un personnage scénique flamboyant, Gyasi s’est construit une identité forte où le costume, la guitare et le récit personnel ne font qu’un. Here Comes The Good Part marque l’aboutissement de ce parcours : un disque sûr de lui, incarné, assumé jusqu’au bout.

Here Comes The Good Part : 13 titres puissants

Dès les premières secondes de Sweet Thing, l’album affiche la couleur : riffs accrocheurs, groove immédiat, refrains taillés pour la scène comme pour la radio. Ici, chaque titre va droit au but. Pas d’introduction inutile, pas de détour : le disque fonctionne comme une succession de tableaux glam, chacun avec sa personnalité, son énergie, son rôle dans l’équilibre global.

On y croise :

• des stomps glam irrésistibles (Snake City, Bang Bang (Runaway)),

• des brûlots rock nerveux (She Says, Cheap High),

• des incursions plus heavy et classic rock (Street Life),

• des respirations élégantes et théâtrales (American Dream, Star),

• jusqu’à un Grand Finale qui referme l’album comme un rideau de scène, dans un esprit très Bowie/Alice Cooper.

L’écriture est simple, mélodique. C’est précisément ce qui rend l’album si efficace à l’antenne : chaque morceau possède une accroche claire, identifiable en quelques secondes.

La presse rock, française comme anglo-saxonne, ne s’y est pas trompée. Here Comes The Good Part est régulièrement décrit comme :

• un “coup de maître glam”,

• un album “très référencé mais jamais caricatural”,

• une démonstration que le glam peut encore être pertinent en 2025.

Les critiques soulignent particulièrement :

• la qualité d’écriture,

• l’absence de titres faibles,

• la voix lumineuse et expressive de Gyasi,

• et surtout, le potentiel scénique évident de ces chansons.

Plusieurs médias n’hésitent pas à classer Gyasi parmi les figures montantes du rock américain, capables de faire le lien entre héritage classic rock, culture queer, théâtralité et public contemporain.

La confirmation sur scène : Lyon, octobre 2025

La rédaction de RADIO COLLECTION a eu l’occasion de voir Gyasi sur scène en octobre 2025, lors de son concert au Ninkasi Cordeliers. Et le constat est sans appel : le live décuple la puissance de l’album.

Sur scène, Gyasi ne joue pas seulement ses chansons, il les habite. Gestuelle, regards, postures, interaction avec le public : tout est pensé comme un show rock total, sans jamais donner l’impression d’un numéro forcé. Les titres prennent une ampleur supplémentaire, confirmant que Here Comes The Good Part est avant tout un disque conçu pour être vécu en concert.

Pourquoi RADIO COLLECTION l’a tant diffusé

Si Here Comes The Good Part s’est imposé comme l’un des albums les plus joués sur RADIO COLLECTION en 2025, ce n’est pas un hasard. Il réunit exactement ce que nous défendons :

• du rock incarné,

• des mélodies fortes,

• une production lisible et chaleureuse,

• et cette capacité rare à donner envie de monter le volume, encore et encore.

Gyasi signe ici un album à la fois spectaculaire et accessible, qui parle aux amoureux du rock classique comme aux auditeurs curieux de nouvelles voix. Un disque qui assume son héritage, mais regarde droit devant.

Here Comes The Good Part est l’un des disques rock marquants de 2025, et l’une des grandes satisfactions musicales de l’année pour la rédaction de RADIO COLLECTION.

Un classement qui est révélateur d’un disque qui s’est installé durablement dans notre programmation, titre après titre.

Treizième album studio du duo d’Akron, sorti le 8 août 2025, No Rain, No Flowers s’écoute comme un disque de reconstruction : celui d’un groupe qui, après une crise ouverte avec son management et un cycle de tournée avorté en 2024, choisit de transformer l’épreuve en matière musicale.

Un duo fondamental du rock moderne

Formés en 2001 à Akron (Ohio), Dan Auerbach (chant, guitare) et Patrick Carney (batterie) ont bâti leur légende sur un blues abrasif, minimaliste, inspiré par Junior Kimbrough, John Lee Hooker ou encore le Hill Country blues.
De Thickfreakness à Brothers puis El Camino, The Black Keys ont réussi un tour de force : faire entrer un son rugueux et analogique dans le grand public, sans jamais renier leurs racines.

Les années 2020 les voient alterner projets très roots (Delta Kream), retours plus directs (Let’s Rock, Dropout Boogie), puis tentatives d’ouverture plus larges (Ohio Players, 2024). No Rain, No Flowers s’inscrit dans cette continuité, mais avec une conscience nouvelle : celle d’un groupe vétéran qui sait qu’il joue une forme de nouveau départ.

Une année 2024 sous tension

Difficile de comprendre No Rain, No Flowers sans revenir sur l’annus horribilis 2024.
Après la sortie d’Ohio Players, le groupe annule une large tournée nord-américaine : salles surdimensionnées, ventes décevantes, pertes financières estimées à plusieurs millions de dollars. Le duo accuse alors son management historique de mauvaise planification et de conflits d’intérêts. Patrick Carney va jusqu’à écrire sur les réseaux sociaux qu’ils se sont fait « avoir », avant de supprimer son message.

Cette rupture brutale agit comme un électrochoc. Plutôt que de s’effacer, Auerbach et Carney retournent immédiatement en studio avec une idée simple : reprendre le contrôle.

« No Rain, No Flowers » : un titre-manifeste

Le titre de l’album résume parfaitement son esprit : pas de pluie, pas de fleurs.
La tempête est passée, les dégâts sont réels, mais la création redevient un espace de reconstruction. Là où Ohio Players semblait parfois hésitant, No Rain, No Flowers assume une tonalité plus lumineuse, presque résiliente.

Enregistré à Nashville, dans le studio Easy Eye Sound d’Auerbach, l’album est pensé comme un cocon créatif. Tout est sous contrôle : le lieu, le son, les collaborateurs.

Le virage assumé des songwriters

C’est l’un des grands tournants de ce disque : pour la première fois, The Black Keys s’entourent ouvertement de songwriters “all-stars”.
Parmi eux : Rick Nowels (Lana Del Rey), Daniel Tashian, Scott Storch, Desmond Child. Un choix revendiqué par Patrick Carney : aller « directement à la source de l’écriture ».

Résultat :

• des chansons plus courtes,

• des refrains plus immédiats,

• une production plus brillante, sans jamais effacer le duo guitare-batterie.

Le blues-rock demeure, mais poli, encadré, habillé de claviers vintage, de chœurs féminins, de cuivres et parfois même de cordes.

Un son Nashville, entre classicisme et modernité

Si certains parlent d’« easy listening rock », le terme n’est pas péjoratif ici. No Rain, No Flowers privilégie le groove, la fluidité, l’efficacité.
Les guitares restent crasseuses quand il le faut, la batterie de Carney conserve son swing naturel, mais l’ensemble sonne plus large, plus radio-friendly, sans tomber dans la caricature pop.

L’identité Black Keys n’est pas diluée : elle est mise en valeur, comme un vieux réflexe de garage rock installé dans un décor plus luxueux.

Chansons clés et titres plébiscités

Avec 11 titres pour environ 36 minutes, l’album va à l’essentiel. Plusieurs morceaux se sont imposés naturellement sur les playlists rock et sur les ondes de Radio Collection :

• “The Night Before”
  Véritable porte d’entrée de l’album : pop-rock nocturne, léger, ultra accrocheur, accompagné d’un clip déjanté tourné dans un hôtel de Nashville.

• “No Rain, No Flowers”
  Le cœur du disque : groove apaisé, message de résilience, arrangements soignés. Un hymne discret à la reconstruction.

• “Babygirl”
  Plus soul, plus R&B dans la texture, porté par la patte de Scott Storch, montrant un visage plus contemporain du duo.

• “On Repeat”
  Refrain immédiat, claviers lumineux : un morceau taillé pour la rotation radio, au sens littéral du terme.

• “Man On A Mission”
  Mid-tempo rock fédérateur, pensé pour la scène, soutenu par un visualizer et un passage remarqué en live télé.

Accueil critique : solide mais discuté

À sa sortie, No Rain, No Flowers reçoit un accueil globalement positif mais mesuré :

• Metacritic : ~71/100

• Pitchfork : critique plus réservée

• Clash, Mojo ou NME saluent un disque cohérent, élégant, sans le qualifier de révolutionnaire.

La presse s’accorde sur un point : ce n’est pas l’album le plus audacieux du groupe, mais l’un des plus maîtrisés. Là où certains regrettent une perte de rugosité, d’autres voient au contraire un duo qui accepte d’évoluer sans se trahir.

Pourquoi Radio Collection l’a tant diffusé

Si No Rain, No Flowers figure dans le Top 3 des albums 2025 de Radio Collection, ce n’est pas un hasard. C’est un disque qui s’écoute aussi bien en intégralité qu’à travers ses singles, et qui s’insère naturellement dans une programmation pop-rock exigeante mais accessible.