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Easter Lily : U2 transforme Pâques en lettre ouverte à ses fans

Fri, 03 Apr 2026 12:15:00 +0000

U2 signe son retour surprise avec un EP profondément spirituel et intimiste, Easter Lily, sorti ce Vendredi saint, deuxième maxi en moins de deux mois avant le prochain album attendu pour la fin 2026.

Un EP événement pour le Vendredi saint

Publié dans la nuit du 2 au 3 avril 2026, Easter Lily est un EP de six titres disponible immédiatement en streaming et en téléchargement. Il arrive moins de deux mois après Days of Ash, sorti le 18 février, jour du Mercredi des Cendres, première collection inédite de U2 depuis Songs of Experience en 2017. Comme son prédécesseur, ce nouveau maxi est accompagné d’une édition spéciale du e‑zine Propaganda, le magazine officiel du groupe, qui livre notes de pochettes, photos studio et textes inédits des quatre membres. Bono a précisé dans un message aux fans que ces sorties ne retarderaient pas l’arrivée du prochain album, promis avec plus de « hoopla and fanfare » dans les mois à venir.

Une tracklist courte mais dense

L’EP aligne six morceaux studio, produits par Jacknife Lee, qui renouent avec le format resserré et conceptuel cher au groupe. La tracklist est la suivante : Song for Hal, In A Life, Scars, Resurrection Song, Easter Parade et COEXIST (I Will Bless The Lord At All Times?), ce dernier titre intégrant un soundscape signé Brian Eno. Les durées, toutes entre quatre et presque sept minutes, laissent le temps aux climats de s’installer, avec un final en apesanteur sur COEXIST qui dépasse les six minutes quarante. On reste dans un ADN U2 très identifiable : guitares mélodiques de The Edge, section rythmique ample d’Adam Clayton et Larry Mullen Jr., et une voix de Bono qui privilégie l’émotion à la démonstration.

Thèmes : entre deuil, amitié, foi et renaissance

Contrairement à Days of Ash, pensé comme une réaction directe aux chaos du monde, Easter Lily vient d’un endroit plus intime, presque cloîtré, où l’on se replie pour faire le point. Song for Hal ouvre l’EP comme une élégie de confinement, chantée en lead par The Edge, en hommage au producteur et ami Hal Willner, disparu pendant le Covid et qui aurait fêté ses 70 ans ce lundi de Pâques. In A Life prend le contre-pied en célébrant l’amitié et ces liens discrets qui nous tiennent debout quand tout chancelle. Scars fonctionne comme une ballade d’encouragement et d’acceptation de soi, « cicatrices » comprises, portée par un refrain qui a déjà été salué comme un futur hymne de stade par la presse anglo‑saxonne.

Au cœur du disque, Resurrection Song est décrite par le groupe comme une chanson de pèlerinage, une sorte de road‑movie intérieur à deux, entre doute et désir de recommencer autrement. Easter Parade joue la carte du dévotionnel, célébrant la nouvelle vie et la résurrection, avec une montée progressive et un final quasi liturgique, ponctué d’invocations façon « Kyrie eleison » selon les notes de Propaganda. Enfin, COEXIST (I Will Bless The Lord At All Times?) se présente comme une berceuse adressée aux parents d’enfants pris dans la guerre, portée par un paysage sonore de Brian Eno qui fait écho au travail ambient réalisé avec U2 depuis les années 80.

Un geste spirituel dans la continuité de U2

En articulant Days of Ash autour du Mercredi des Cendres et Easter Lily autour du Vendredi saint, U2 assume une structure quasi liturgique qui renvoie aux racines spirituelles du groupe. Là où le premier EP se tournait vers les violences du monde (de Minneapolis à l’Iran et la Palestine), Easter Lily choisit le retrait, la contemplation, et parle de foi, d’art, de sens, de mortalité et de possible rebond. L’Irish Times décrit d’ailleurs l’ensemble comme un « disque honnête et en quête, presque cool », soulignant cette tension permanente entre questionnement existentiel et recherche de beauté. Bono lui‑même insiste : ce projet est d’abord « entre vous et nous », une correspondance directe avec les fans, loin de la machine promotionnelle habituelle.

Cette dualité intérieur/extérieur s’incarne aussi dans le packaging numérique : Propaganda – Easter Lily propose les notes de pochette signées The Edge, un texte d’Adam Clayton sur l’art et le chemin de la guérison, un entretien de Bono avec le franciscain Richard Rohr autour de la spiritualité contemporaine, et un carnet photo de Larry en studio. U2 fait ainsi de l’EP un objet éditorial complet, à la frontière entre disque concept, livre de méditations et fanzine deluxe.

Leaving is Easy de almost monday : star de la semaine sur Radio Collection

Mon, 09 Mar 2026 14:37:00 +0000

Né sous le soleil de Californie, le trio almost monday a toujours cultivé une pop lumineuse, faite pour les routes ouvertes, les festivals et les couchers de soleil sur le Pacifique. Avec leur nouveau single Leaving Is Easy, dévoilé le 5 mars 2026, les trois musiciens signent pourtant l’un de leurs titres les plus émotionnels. Une chanson où la douceur mélodique se heurte à la fragilité d’une relation amoureuse sur le point de vaciller.

De San Diego aux grandes scènes internationales

L’histoire du groupe commence loin des studios prestigieux, dans un surf shop de San Diego. Dawson Daugherty (chant), Cole Clisby (guitare) et Luke Fabry (basse) se connaissent depuis longtemps : avant la musique, il y a eu les planches de surf, les petits boulots sur la côte et les sessions improvisées entre amis.

Comme beaucoup de groupes, leur parcours débute dans une atmosphère résolument D.I.Y. : répétitions dans les garages, concerts dans des cafés, premiers fans conquis par le bouche-à-oreille. Peu à peu, leur indie-pop ensoleillée commence à circuler sur la scène locale.

Le nom du groupe raconte d’ailleurs cet état d’esprit. À l’origine, les musiciens voulaient s’appeler The Mondays. Déjà pris, le nom devient almost monday — une expression qui évoque cet instant suspendu où le week-end n’est pas tout à fait terminé, mais où la réalité du lundi commence déjà à se rapprocher.

Les EP qui ont lancé leur trajectoire

almost monday se fait remarquer en 2017 avec le single Take Me Higher. Ce premier succès leur permet de dépasser la scène locale et d’attirer l’attention de la scène alternative américaine.

Deux EP vont ensuite poser les bases de leur identité sonore :
Don’t Say You’re Ordinary en 2020, puis Til the End of Time en 2021. Guitares claires, basses souples, refrains immédiats : le trio affirme une pop moderne, à la fois élégante et accessible.

Le véritable décollage intervient avec Broken People, dont un remix signé Sofi Tukker va propulser la chanson dans les playlists internationales. Almost Monday passe alors de la scène émergente aux grands festivals.

Lollapalooza Berlin, Lollapalooza Paris, Outside Lands… Le groupe multiplie les apparitions et partage l’affiche avec des formations comme Kings of Leon, AJR, The Driver Era, Beach Weather ou encore The Band Camino. En quelques années, les Californiens deviennent l’un des noms qui comptent dans la nouvelle vague alt-pop.

Dive, un premier album comme une photographie de leur vie

En 2024, almost monday franchit un cap important avec Dive, son premier album studio, publié chez Hollywood Records (Universal).

Le disque est conçu comme un instantané de leur existence sur la route. Les chansons capturent les émotions de la tournée, l’énergie des concerts et les moments suspendus entre deux villes.

Des titres comme Tidal Wave, Sunburn, Is It Too Late? ou Jupiter transforment rapidement l’album en collection d’hymnes pop destinés aux scènes estivales. L’album dépasse rapidement les centaines de millions de streams et confirme la place du groupe dans la nouvelle génération indie-pop internationale.

2026 : un nouveau chapitre avec Leaving Is Easy

Après avoir prolongé l’ère Dive avec plusieurs singles — dont Enjoy the Ride et Lost — le groupe ouvre l’année 2026 avec Leaving Is Easy. Le morceau marque clairement le début d’un nouveau chapitre dans la discographie du trio.

Dès les premières secondes, on reconnaît immédiatement la signature sonore du groupe : un groove mid-tempo, une basse souple, une guitare claire et la voix détendue de Dawson Daugherty portée par une production indie-pop très radiophonique.

Mais derrière cette apparente légèreté, la chanson aborde un thème plus fragile : la difficulté d’aimer sur la durée.

Le cœur du morceau tient dans sa phrase centrale : « Leaving is easy, loving is hard. »

En quelques mots, almost monday renverse le cliché romantique du départ héroïque. Dans cette histoire, partir est la solution la plus simple. Ce qui demande du courage, c’est rester, réparer et tenter de reconstruire.

Une mélancolie lumineuse

Le narrateur décrit ses « waterfalls » de larmes, ses appels à ses amis pour parler de cette relation qui se fissure, tout en répétant qu’il ne veut pas dire au revoir. L’écriture reste simple mais très visuelle : soleil sur la peau, pensées qui tournent comme une lame.

Cette approche presque cinématographique correspond parfaitement à l’univers visuel du groupe, très présent dans leurs clips.

L’une des grandes forces du groupe réside dans ce contraste permanent entre la lumière de la musique et la fragilité du texte. On peut danser sur la chanson, reprendre le refrain à pleins poumons, tout en se reconnaissant dans ce moment précis où l’on se demande s’il faut partir ou rester.

Sur le plan sonore, Leaving Is Easy reste fidèle à la signature du trio : une indie-pop claire et élégante, qui privilégie les grooves souples et les lignes vocales mémorables. La rythmique reste contenue, presque retenue, comme si la musique refusait de sombrer dans le pathos malgré la tristesse des paroles.

Comparée à des titres plus euphorisants comme Broken People ou Can’t Slow Down, la chanson assume davantage sa mélancolie.

On y entend un groupe qui a grandi. Un groupe qui a connu l’énergie des festivals et des grandes scènes, mais qui commence aussi à raconter ce qui se passe quand les lumières se rallument et que la vie reprend son cours.

Dans le clip qui accompagne la sortie, cette tension entre douceur et douleur est prolongée par une esthétique très soignée, fidèle à leur univers : des images lumineuses, des silhouettes solitaires et cette impression persistante de feuilleter un polaroid pris sur le vif.

Avec Leaving Is Easy, almost monday confirme une chose : derrière les refrains solaires et les guitares scintillantes, leur pop sait aussi parler des failles humaines — celles que l’on cache parfois derrière les plus belles lumières.

Leaving is Easy est notre star de la semaine sur Radio Collection, à écouter chaque soir 18H. Et le clip est accessible dans notre rubrique Video.

U2 – Days of Ash : six chansons comme un électrochoc mondial

Thu, 19 Feb 2026 11:55:00 +0000

Le 18 février 2026, en plein mercredi des Cendres, U2 a créé la surprise en dévoilant Days of Ash, un EP digital de six titres présenté comme une œuvre autonome, disponible en plusieurs formats dont le hi-res. Le choix de la date n’a rien d’anodin : jour d’entrée en Carême, symbole de réflexion et de remise en question, il donne immédiatement le ton d’un projet sombre, lucide et profondément politique. Presque dix ans après Songs of Experience (2017), le groupe irlandais livre ici sa première collection de nouveaux morceaux originaux, produite par son fidèle collaborateur Jacknife Lee. Loin d’un simple retour discographique, Days of Ash s’impose comme une prise de position artistique, une réaction quasi instantanée aux fractures du monde contemporain.

Bono a décrit l'album comme six cartes postales du présent dont on aimerait ne pas être les témoins. Cette formule résume l’esprit du projet : un regard frontal sur l’actualité la plus brûlante. Les textes évoquent les violences policières aux États-Unis, les drames liés à l’immigration et aux actions de l’agence ICE, la répression en Iran, les tensions et violences en Palestine et en Israël, ainsi que l’invasion russe en Ukraine et ses conséquences humaines. U2 ne se réfugie pas dans la métaphore vague : les chansons sont ancrées dans le réel, nourries de noms, de lieux et d’histoires contemporaines. Musicalement, le groupe conserve son identité : la guitare aérienne et tranchante de The Edge, la section rythmique solide et tendue, et la voix de Bono, toujours capable de mêler colère, compassion et lyrisme.

L’EP s’ouvre avec American Obituary, une pièce dense et grave, qui plante le décor d’un pays fracturé. The Tears of Things étire ensuite la tension sur plus de cinq minutes, dans une atmosphère à la fois méditative et dramatique. Song of the Future apporte une énergie plus ramassée, presque urgente, tandis que Wildpeace, courte pièce de 1 minute 18, prend la forme d’un poème parlé, porté par une voix invitée et une production minimaliste. Ce moment suspendu agit comme une respiration fragile au cœur d’un ensemble particulièrement sombre. One Life At A Time rappelle, par son titre même, la dimension profondément humaniste du groupe : derrière les grands conflits géopolitiques, ce sont toujours des existences individuelles qui sont brisées.

Le point culminant arrive avec Yours Eternally, morceau final interprété en collaboration avec Ed Sheeran et Taras Topolia, chanteur ukrainien du groupe Antytila. La chanson trouve son origine dans une lettre de Bono adressée à Topolia après la rencontre entre U2 et des artistes ukrainiens à Kiev en 2022, lors d’un concert de soutien. Ed Sheeran y répond musicalement, transformant cet échange en dialogue chanté. Le résultat est une ballade ample et émouvante, qui clôt l’EP sur une note d’espoir fragile plutôt que sur une simple lamentation. Ce titre résume à lui seul l’intention de Days of Ash : témoigner, dénoncer, mais aussi relier.

L’année 2026 marque par ailleurs les 50 ans de la formation de U2, né à Dublin en 1976. Dans ce contexte symbolique, Days of Ash apparaît comme un geste fort : non pas un best of nostalgique ou un projet commémoratif, mais un regard tourné vers le présent. Le groupe a d’ailleurs précisé que ces six morceaux ne figureront pas sur le prochain album studio attendu pour la fin 2026, décrit comme plus lumineux et festif. Cet EP constitue donc une œuvre à part, presque un manifeste intermédiaire, une parenthèse sombre entre deux cycles.

Avec un peu plus de vingt-quatre minutes de musique, Days of Ash ne cherche pas à accumuler les tubes ni à séduire par des refrains calibrés. Il assume sa densité, sa gravité, son urgence. Dans un paysage musical souvent dominé par l’instantanéité et le divertissement pur, U2 rappelle que le rock peut encore être un espace de conscience et d’engagement. Cinquante ans après ses débuts, le groupe prouve qu’il n’a rien perdu de sa capacité à transformer l’actualité en matière artistique. Days of Ash n’est pas seulement un EP surprise : c’est un signal, une déclaration, une œuvre qui regarde le monde en face – même lorsque celui-ci brûle encore sous les cendres.

Le titre Song Of The Future sera la star de la semaine sur RADIO COLLECTION, chaque soir à 18H.

Kid Sophie : L’envol solitaire

Tue, 03 Feb 2026 16:27:00 +0000

Figure incontournable de la scène rock française avec Hyphen Hyphen, Line ouvre aujourd’hui un chapitre intime sous le nom de Kid Sophie. Avec le single "Love Again", elle délaisse l’énergie collective pour une pop alternative, où les failles du passé deviennent une force. Un envol en solitaire placé sous le signe de l'introspection.

De l'ombre à la lumière : la naissance d'une réalisatrice

On la connaissait comme la bassiste et co-compositrice du groupe Hyphen Hyphen, pilier de l’ombre pendant des années. On l’a vue plus récemment derrière les consoles, signant un travail de réalisation et d’arrangement remarqué sur l'album de Santa. Aujourd’hui, Line s’affirme comme une entité artistique totale : Kid Sophie.

En choisissant ce pseudonyme, elle opère une transition du groupe vers le "je", mais surtout du rock vers une pop alternative et électronique aux contours plus personnels.

Une esthétique New Wave contemporaine

Le single "Love Again" (sorti le 23 janvier 2026) n'est pas qu'une simple chanson pop ; c'est une pièce d'orfèvrerie New Wave contemporaine. Le son est aérien, porté par des nappes de synthétiseurs qui rappellent autant la mélancolie des années 80 que la clarté des productions actuelles.

Là où Hyphen Hyphen cherchait l'explosion, Kid Sophie choisit l'introspection. Sa musique explore les thèmes de la mémoire, de l'enfance et des failles intérieures. Pour l'artiste, ces zones d'ombre ne sont plus des obstacles, mais un véritable terrain d’émancipation. À travers "Love Again", elle explore cette vulnérabilité qui précède la renaissance amoureuse.

En route vers le premier EP

Si Line a longtemps mis son talent au service des autres, elle s'approprie désormais l'espace. L'heure est à la préparation de son tout premier EP, dont "Love Again" est le fer de lance.

YONAKA prépare la sortie de Until You’re Satisfied

Fri, 16 Jan 2026 13:15:00 +0000

YONAKA ouvre un nouveau chapitre de son histoire avec Until You’re Satisfied, un deuxième album attendu le 13 mars 2026 et qui marque une évolution nette, plus sombre et plus viscérale, pour le trio rock originaire de Brighton.

Révélé à la fin des années 2010 avec Don’t Wait ’Til Tomorrow, YONAKA s’était rapidement imposé comme l’un des groupes britanniques les plus prometteurs de la scène alternative, grâce à un savant mélange de riffs massifs, de refrains immédiats et à la voix incandescente de Theresa Jarvis. Sept ans plus tard, le groupe revient avec une œuvre plus mature, nourrie par l’expérience, les épreuves et une volonté affirmée d’explorer les zones moins confortables des sentiments humains.

Autoproduit et décrit par le groupe comme “turbo-chargé”, Until You’re Satisfied s’attaque frontalement aux thèmes de l’amour sous toutes ses formes, loin des clichés romantiques. Ici, il est question de relations abîmées, de dépendance affective, de trahisons et de résilience. YONAKA revendique un disque honnête et sans fard, qui regarde la réalité en face et transforme la douleur en énergie brute.

Cette nouvelle ère s’est installée progressivement à travers une série de singles percutants. Problems a servi de détonateur, annonçant un virage plus tendu et plus direct. Cruel, premier extrait officiel de l’album, a confirmé cette orientation avec son intensité émotionnelle et ses guitares abrasives. Plus récemment, Hit Me When I’m Sore prolonge ce fil rouge, évoquant les coups encaissés et la capacité à se relever, porté par une écriture incisive et une dynamique taillée pour la scène.

Avec ses treize titres, Until You’re Satisfied s’annonce comme un disque charnière dans la carrière de YONAKA. Plus dense, plus sombre mais toujours résolument mélodique, l’album ambitionne de dépasser le succès de son prédécesseur et d’installer durablement le groupe parmi les références du rock alternatif britannique contemporain.

À l’aube de 2026, YONAKA ne se contente plus de confirmer les espoirs placés en lui : le trio affirme une identité forte et assume une vision artistique plus radicale. Until You’re Satisfied s’impose déjà comme l’un des albums rock les plus attendus du début d’année, promesse d’une décharge émotionnelle aussi intense que fédératrice.

Bruno Mars, le grand retour du romantisme pop-soul

Mon, 12 Jan 2026 07:56:00 +0000

Dix ans après 24K Magic, Bruno Mars signe un retour solo aussi attendu que scruté. Avec The Romantic, annoncé pour le 27 février 2026, l’artiste hawaïen remet au premier plan ce qui a toujours fait sa force : un sens aigu de la mélodie et un amour assumé pour la soul et le funk vintage.

Le premier single, I Just Might, dévoilé le 9 janvier 2026 et star de la semaine sur RADIO COLLECTION (chaque soir à 18H), donne le ton : groovy, dansant, séducteur — Bruno Mars est de retour, et il n’a rien perdu de son magnétisme.

Présenté comme son 4ème album studio solo, The Romantic marque la fin d’une longue attente pour les fans. Depuis 2016, Bruno Mars avait privilégié collaborations et projets annexes, notamment la parenthèse dorée Silk Sonic avec Anderson .Paak.

L’annonce officielle, d’une sobriété presque provocatrice — « My album is done », postée le 5 janvier sur X — a suffi à déclencher un emballement médiatique mondial. Précommandes ouvertes, playlists éditoriales déjà positionnées, articles de presse en cascade : The Romantic s’impose d’emblée comme l’un des albums pop majeurs de 2026. Distribué par Atlantic Records, le disque revendique une ambition claire : renouer avec un romantisme pop-soul luxueux, dans la lignée de Just The Way You Are, When I Was Your Man ou Marry You, tout en conservant l’énergie funk qui a fait de Mars un faiseur de tubes planétaires.

Derrière son titre explicite, The Romantic s’annonce comme un album-concept centré sur les multiples visages de l’amour : la séduction légère, le désir immédiat, la tendresse, mais aussi une certaine mélancolie feutrée. Musicalement, Bruno Mars puise sans complexe dans l’héritage soul, disco et funk des années 70-80, qu’il modernise avec une production ultra-léchée, calibrée pour les standards radios contemporains.

I Just Might, un premier single taillé pour la piste de danse

1er extrait officiel de l’album, I Just Might joue la carte de l’évidence. Dès les premières secondes, la basse funky, les cuivres clinquants et le groove disco installent une ambiance résolument festive. Bruno Mars y raconte un instantané de club : un regard échangé sur la piste, une attraction immédiate, et cette pensée spontanée — « I just might make her my baby ».

Le refrain, accrocheur et taillé pour rester en tête, interpelle le DJ et célèbre le pouvoir de la danse comme langage universel. On y retrouve l’efficacité redoutable de Uptown Funk ou 24K Magic, mais avec un vernis plus romantique, presque espiègle.

Le clip, fidèle à l’ADN visuel de Mars, plonge dans un univers disco rétro : lumières chaudes, costumes seventies, chorégraphies millimétrées. Un hommage appuyé à l’âge d’or des dancefloors, remis au goût du jour avec une esthétique contemporaine.

Un retour sur les radios… et dans les stades

Ce comeback ne se limite pas au studio. Bruno Mars accompagnera la sortie de The Romantic d’une tournée mondiale d’envergure, la Romantic Tour, dont le coup d’envoi est prévu le 10 avril 2026. Près de 40 dates sont annoncées en Amérique du Nord et en Europe, avec des passages très attendus dans des lieux emblématiques comme Wembley ou le Stade de France en juin.

No Money Kids signe une nouvelle claque indie, élue Meilleure Nouveauté de la Semaine sur Radio Collection

Sat, 20 Dec 2025 06:22:00 +0000

Avec Let It Drop, No Money Kids poursuit son retour très remarqué en 2025 et confirme son statut à part sur la scène indie française. Le duo parisien — Félix Matschulat (chant, guitare, composition) et JM Pelatan (basse, machines, programmation) — livre ici un single tendu, instinctif et furieusement moderne, que Radio Collection diffusera chaque soir à 18h la semaine prochaine comme Meilleure Nouveauté Musicale de la Semaine.

Un choix qui s’impose tant le morceau condense tout ce qui fait l’ADN du groupe : un rock viscéral nourri de blues électrique, habillé d’une production électronique précise, cinématographique et taillée pour l’époque.

No Money Kids, l’Amérique fantasmée vue depuis Paris

Formé en 2013 en région parisienne, No Money Kids s’est rapidement distingué par une identité sonore singulière, souvent décrite comme de l’electro-blues. Dès leurs premiers EP et albums — Old Man (2014), puis un premier long format en 2015 — le duo impose un univers fait de guitares rugueuses, de grooves hypnotiques et de textures électroniques évoquant les grands espaces américains, les motels poussiéreux et les routes nocturnes.

Leur musique convoque aussi bien le blues primitif de Robert Johnson ou Junior Kimbrough que l’indie moderne de The Kills, Beck, Sparklehorse ou Glass Animals. Une filiation assumée, mais toujours digérée avec une approche DIY et contemporaine, qui leur permet de ne jamais tomber dans le pastiche.

Sur scène, No Money Kids s’est forgé une réputation de groupe intense et magnétique, capable de transformer un duo minimaliste en machine rock redoutable. Cette puissance live, combinée à un sens aigu de l’image et de l’atmosphère, leur a ouvert les portes de nombreuses synchronisations (films, séries, publicités), en France comme à l’international.

**Un retour en force avec Fireworks et une avalanche de singles**

Après Hear the Silence (2017) et Factory (2021), No Money Kids frappe fort en 2025 avec l’album Fireworks, enregistré en partie à New York. Présenté comme un véritable feu d’artifice d’influences old school et modernes, le disque marque une étape importante dans la maturité du duo, aussi bien sur le plan de l’écriture que de la production.

Autour de cet album gravite une impressionnante série de singles :
BIG, Story of the Man, Motel Way of Life, Old City Blues, Get Free, Rosie, mais aussi des titres satellites et B-sides qui entretiennent une actualité constante sur les plateformes. À cela s’ajoutent plusieurs singles autonomes publiés en 2025 — No Name, You’re Not Alone, une reprise remarquée de Makeba — et désormais « Let It Drop », qui s’inscrit dans cette dynamique ultra-créative.

« Let It Drop » : lâcher-prise sous tension

D’une durée d’environ 2’50, Let It Drop se présente comme un single digital indépendant, dans la continuité directe de la période post-Fireworks. Concis, efficace, immédiatement accrocheur, le morceau est clairement pensé pour les playlists rock actuelles — et ne s’y trompe pas, puisqu’il est déjà repéré dans plusieurs sélections Hot New Rock.

Musicalement, le titre repose sur un équilibre parfaitement maîtrisé : un riff de guitare râpeux, une basse lourde et groovy, des beats électroniques tendus, le tout porté par une voix entre retenue et explosion.

Pourquoi Radio Collection a choisi « Let It Drop »

Pour Radio Collection, Let It Drop coche toutes les cases :

un son pop-rock moderne,
une identité forte,
une production internationale,
et cette capacité rare à parler aussi bien aux amateurs de rock indé qu’aux auditeurs en quête de nouveauté accessible et immédiatement mémorisable.

C’est aussi l’exemple parfait d’un groupe français qui vise la scène internationale, sans jamais renier ses racines.

À découvrir chaque soir à 18h sur Radio Collection, Let It Drop s’impose comme l’un des singles rock les plus solides de cette fin d’année et confirme No Money Kids comme l’un des duos les plus inspirés de la scène indie actuelle.

Sasha and The Lunatics, meilleure nouveauté de la semaine sur Radio Collection avec son single Legacy

Fri, 12 Dec 2025 10:28:00 +0000

Sasha and The Lunatics est un quatuor belge formé au début des années 2020, autour d’une chanteuse à la voix très singulière et de guitares particulièrement incendiaires. Le groupe revendique des influences qui vont de Led Zeppelin à Rival Sons en passant par Dorothy ou Kaleo, pour un son bluesy, moderne, énergique et résolument rock.

Sur scène, le groupe s’est rapidement fait remarquer grâce à des prestations intenses et sans artifices, notamment lors des Fêtes de Wallonie à La Louvière ou encore au Park Rock Festival. On les retrouve aussi sur des tremplins comme celui du Ronquières Festival 2025

Depuis sa formation, Sasha and The Lunatics a enchaîné les singles, dont Cruise Control en 2023 puis Janis et Shallowness of the Modern World en 2024, qui ont commencé à installer leur univers auprès du public rock. Ces titres, portés par une section rythmique solide et des refrains immédiatement mémorisables, ont servi de cartes de visite sur les plateformes de streaming et sur les scènes de festivals.

En 2025, le groupe franchit un cap avec la sortie de son premier album, First Phase, un disque d’environ 25 minutes qui agrège leurs compositions les plus récentes et donne une vision cohérente de leur identité sonore. First Phase rassemble six titres qui naviguent entre rock lourd, groove bluesy et touches psychédéliques, avec une grande attention portée aux lignes de basse et aux climats de guitare. Les textes, souvent engagés et parfois teintés de mysticisme, parlent de notre époque, de ses excès et de la quête d’un “autrement”, ce qui donne au disque une vraie cohérence de propos.

Sur cet album, le groupe montre autant son goût pour les riffs efficaces que pour les montées en tension plus atmosphériques, confirmant qu’il ne se contente pas de recycler le rock des années 70 ou 90 mais cherche à le tirer vers aujourd’hui. First Phase apparaît ainsi comme une première carte de visite très solide, taillée pour les scènes de clubs comme pour les grandes scènes de festivals.

Legacy est l’un des titres phares de First Phase, construit autour d’une ligne de basse mise en avant et d’un groove qui embarque immédiatement l’auditeur. Le morceau résume parfaitement l’ADN du groupe : une voix puissante, des guitares tranchantes, une rythmique très présente et des paroles qui interrogent la trace que l’on laisse et l’héritage que l’on construit.

Sur Radio Collection, Legacy devient donc la star de la semaine : le titre sera diffusé chaque soir à 18 h, comme rendez‑vous rock quotidien pour découvrir ce groupe belge en pleine ascension. Une occasion idéale pour les auditeurs de prendre le train Sasha and The Lunatics en marche, avant qu’ils ne passent du statut de révélation à celui de nouvelle référence de la scène rock.

Sorties Pop Rock du 21 novembre 2025 : The Beatles et Aerosmith dominent un vendredi historique

Sat, 22 Nov 2025 07:16:00 +0000

Le 21 novembre 2025, le passé et le présent du rock se sont donnés rendez-vous. D’un côté, les Beatles ouvrent une nouvelle page de leur légende avec Anthology 4. De l’autre, Aerosmith s’allie à YUNGBLUD pour signer One More Time, un EP qui refuse obstinément de regarder dans le rétroviseur. Récit d’un vendredi pas tout à fait comme les autres.

Un vendredi où l’histoire s’invite dans les nouveautés

Les vendredis de sorties sont rarement avares en nouvelles galettes. Mais ce 21 novembre 2025 a cette saveur particulière des dates que l’on retient. Sur les plateformes comme dans les bacs des disquaires, la journée a été dominée par deux annonces qui n’ont rien d’anodin : la parution de Anthology 4 des Beatles et l’arrivée de One More Time, l’EP collaboratif d’Aerosmith avec YUNGBLUD.

Entre ces deux pôles, la semaine a également vu surgir une constellation de sorties pop, rock et indie – de Sharp Pins à Few Bits en passant par une poignée d’albums plus confidentiels – mais ce sont bien ces deux projets qui ont donné le ton : la mémoire d’un côté, le choc générationnel de l’autre.

Beatles – Anthology 4 : la mémoire revisitée

Trente ans après les premiers volumes de la série Anthology, on aurait pu croire les coffres des Beatles vidés de leurs secrets. Anthology 4 prouve l’inverse. Disponible en coffret vinyle, CD et édition numérique, ce quatrième volet rassemble près de 191 titres restaurés et inédits, plongeant au cœur des sessions qui ont forgé la légende du quatuor de Liverpool.

L’enjeu n’est plus seulement de compiler, mais de réentendre. Grâce aux techniques de séparation de pistes et de restauration sonore, la voix de John Lennon gagne en présence, les arrangements se déploient avec une précision quasi chirurgicale. Les nouvelles versions de « Free As A Bird » et « Real Love » en sont la démonstration la plus flagrante : les chansons, déjà ressuscitées dans les années 90, semblent aujourd’hui trouver leur forme définitive.

On n’écoute plus seulement des archives : on a l’impression d’assister, à distance, à la fabrication de l’histoire.

Au-delà de ces titres phares, Anthology 4 déroule un véritable carnet de bord créatif : démos tâtonnantes, prises alternatives, essais de structures abandonnées à la dernière minute… Autant de petites scènes de studio qui disent beaucoup de la manière dont les Beatles composaient, testaient, doutaient et réinventaient leurs propres idées à une vitesse folle.

La sortie du coffret Anthology Collection 1–4 parachève l’entreprise : réunir, en un seul geste éditorial, quatre décennies de travail sur les archives. L’objet, luxueux, s’adresse autant aux collectionneurs qu’aux curieux désireux de comprendre pourquoi ce groupe, plus d’un demi-siècle après sa séparation, continue d’aimanter l’attention.

Aerosmith & YUNGBLUD – One More Time : le choc des générations

À quelques milliers de kilomètres de Liverpool, c’est une autre histoire du rock qui s’écrit. Celle d’un groupe qui refuse de se contenter du statut d’icône. Avec One More Time, Aerosmith signe sa première véritable création originale depuis plus de dix ans. Mais plutôt que de rallumer seul la machine, le groupe a choisi de s’acoquiner avec l’un des artistes les plus fougueux de la scène actuelle : YUNGBLUD.

Cinq titres, pas un de trop : l’EP va droit au but. Le single « My Only Angel » donne le ton : une production moderne, des guitares nerveuses, un Steven Tyler qui n’a rien perdu de son grain si reconnaissable, et en face un YUNGBLUD qui ne se contente pas d’être l’invité « jeune » de service. Il pousse, bouscule, relance, comme pour rappeler qu’Aerosmith reste un groupe de scène avant tout.

Dans le reste de l’EP, les morceaux oscillent entre rock frontal, refrains taillés pour l’arène et clins d’œil à un passé jamais très loin. Une nouvelle version revisitée de « Back In The Saddle » vient boucler la boucle : le classique est réinjecté dans un décor sonore plus contemporain, sans perdre son attitude.

L’objet n’oublie pas les collectionneurs : vinyle argenté, variante rouge avec face B gravée, pochette alternative signée Joe Foti (Chrome Hearts), poster en bonus… autant d’éditions qui disent clairement qu’Aerosmith parle à plusieurs générations à la fois, du fan de la première heure au public qui découvre le groupe via YUNGBLUD.

Ce que raconte One More Time, c’est qu’un groupe de cinquante ans de carrière peut encore sonner comme une première fois.

Autour des géants : une scène foisonnante

Dans l’ombre de ces deux mastodontes médiatiques, le reste des sorties du 21 novembre 2025 n’a pourtant rien d’anecdotique. La semaine voit éclore une série d’albums et d’EP qui rappellent la diversité du paysage pop rock actuel : rock indie, pop racée, expérimentations plus brutes.

On croise ainsi les nouveaux titres de Sharp Pins avec Balloon Balloon Balloon, ceux de Few Bits sur Brick Houses, sans oublier des signatures plus discrètes mais très suivies par les amateurs, comme le projet The Dangerous Beauties sur le label La Ruche. Entre guitares garage, mélodies pop, soul et éclats punk, ce vendredi-là offre un instantané très précis de la vitalité d’une scène qui refuse de se laisser enfermer dans un seul registre.

Un moment charnière pour la pop rock

Pris ensemble, Anthology 4 et One More Time racontent quelque chose de plus large que leurs seules tracklists. Ils dessinent la trajectoire d’un genre qui ne cesse de dialoguer avec sa propre histoire : d’un côté, un travail d’archives d’une ampleur rare, qui continue de faire parler un groupe disparu depuis des décennies ; de l’autre, une formation mythique qui accepte de se mettre en danger en ouvrant sa porte à une nouvelle génération.

Le 21 novembre 2025 ne restera pas seulement comme une date de sorties d’albums. Il s’impose comme un rappel : le rock et la pop ne vivent pas à travers une opposition passé/présent, mais dans une circulation permanente entre les deux. Les Beatles, Aerosmith, YUNGBLUD, et cette armée de groupes plus discrets sortis le même jour composent, chacun à leur manière, un même récit : celui d’un genre qui n’a pas l’intention de se contenter de ses archives, même lorsqu’elles sont sublimes.

Pour les auditeurs, journalistes, programmateurs ou simples curieux, ce vendredi-là aura offert quelque chose de précieux : la possibilité de passer, en quelques écoutes, de la magie d’un studio londonien des années 60 à l’électricité d’un EP enregistré à plusieurs mains, quelque part entre Los Angeles et l’ère du streaming.

Inhaler dévoile Hole in the Ground, nouveau single du quatuor de Dublin

Fri, 31 Oct 2025 12:34:00 +0000

Le groupe dublinois Inhaler publie Hole in the Ground, un single tendu et lumineux, enregistré à Abbey Road avec Kid Harpoon. Un retour qui confirme l’élan créatif amorcé avec leur troisième album Open Wide.

Hole in the Ground est un titre nerveux et mélodique qui capte ce mélange d’urgence et d’élévation devenu leur signature. Le morceau a été enregistré cet été à Abbey Road Studios à Londres, en collaboration avec le producteur Kid Harpoon, figure clé du rock et de la pop britannique contemporaine. Le groupe l’a même pré-joué à la Liverpool Arena quelques jours avant la sortie officielle, histoire d’en tester l’impact en conditions réelles.

Formé à Dublin en 2012, Inhaler réunit Elijah Hewson (chant, guitare), Robert Keating (basse), Josh Jenkinson (guitare) et Ryan McMahon (batterie). Repérés très tôt par la presse britannique, ils se classent dans le BBC Sound of 2020 avant de confirmer sur disque et sur scène. Leur spectre convoque l’indie des années 80-90 (échos de The Smiths, Echo & The Bunnymen, etc.) sans céder au pastiche, porté par une voix immédiatement identifiable et une écriture de plus en plus sûre d’elle.

Ni le groupe ni le label n’ont officialisé à ce stade un nouvel album.

Hole in the Ground est sélectionné par RADIO COLLECTION comme étant la meilleure nouveauté de la semaine, à rtetrouver tous les soirs à 18H sur notre antenne.

White Lies : Night Light, un 7ème album pour rallumer la flamme (sortie le 7 novembre 2025)

Thu, 30 Oct 2025 10:33:00 +0000

Le trio londonien revient le 7 Novembre 2025 avec un 7^e album : neuf titres captés « en direct » qui mêlent tension post-punk, mélancolie lumineuse et audaces assumées.

Formé à Ealing (Londres) en 2007, White Lies réunit Harry McVeigh (chant, guitare), Charles Cave (basse, chœurs) et Jack Lawrence-Brown (batterie). Passé par un premier chapitre sous le nom Fear of Flying, le trio gagne ses galons avec un son sombre et ample où les guitares tranchantes et les synthés panoramiques soutiennent une écriture introspective. Sur scène, le groupe s’entoure de musiciens additionnels — notamment Tommy Bowen et Robert Lee — pour densifier un répertoire pensé pour les grandes salles.

White Lies marie l’ombre et la lumière : une mélancolie héritée du post-punk (on pense à Joy Division) propulsée par des refrains cathédrales calibrés pour le live. Chaque disque pousse un curseur différent sans renier l’ADN du groupe : l’élégance ténébreuse de To Lose My Life…, la puissance frontale de Ritual, la richesse électronique de Big TV, les expérimentations de Five et l’élan immédiat d’As I Try Not to Fall Apart ont bâti une trajectoire cohérente et sincère.

Le groupe aligne des titres devenus repères :

Death
To Lose My Life
Farewell to the Fairground
Bigger Than Us
Unfinished Business
Holy Ghost
Strangers
Tokyo

Le premier album s’est hissé n°1 au Royaume-Uni et les suivants ont régulièrement trouvé le top 10, confirmant une base de fans fidèle et un songwriting endurant.

Night Light a été enregistré « en direct », dans la même pièce, au mythique Church Studios (Londres). Un parti pris capté par le producteur Riley MacIntyre, connu pour saisir une énergie brute et sincère, puis mis en perspective au mix par Chris Coady. Le trio a rodé les morceaux « comme un groupe de scène » avant d’entrer en studio, privilégiant l’alchimie immédiate et le risque plutôt que la perfection lisse. Le claviériste Seth Evans a rejoint les sessions comme collaborateur créatif.

Écrit il y a près de dix ans, le single « In The Middle » est devenu la clé de voûte du projet : une structure hypnotique, un long final instrumental et un saxophone assumé (et non une flûte, comme l’ont cru certains). On y entend des clins d’œil aux textures kraut et glam (Neu!, Roxy Music) dans un cadre mélodique typiquement White Lies.

Tracklist :

Nothing On Me
All The Best
Keep Up
Juice
Everything Is OK
Going Nowhere
Night Light
I Just Wanna Win One Time
In The Middle

La sortie de Night Light s’accompagnera d’une tournée européenne, avec notamment une date très attendue à Paris (La Machine du Moulin Rouge) début 2026. La dimension scénique — intensité, générosité, précision rythmique — reste l’un des marqueurs du groupe.

Dea Matrona : l’ascension éclatante d’un duo rock venu de Belfast

Sat, 25 Oct 2025 08:11:00 +0000

Star de la semaine sur RADIO COLLECTION – à écouter chaque soir à 18h.

Né à Belfast en 2018, Dea Matrona s’est rapidement imposé comme l’un des groupes émergents les plus excitants de la scène pop/rock britannique et européenne. Derrière ce nom emprunté à une déesse de la mythologie celte – “la mère divine” – se cachent deux musiciennes : Orláith Forsythe et Mollie McGinn. Le groupe débute à l’origine en trio avec Mamie McGinn, la jeune sœur de Mollie, aux percussions. Lorsque celle-ci quitte la formation en 2022 pour poursuivre ses études, le duo poursuit seul sa route, continuant à faire vibrer les scènes et festivals d’Irlande, du Royaume-Uni et bien au-delà.

Amies d’enfance, Orláith et Mollie partagent une passion commune pour le rock des années 70 et l’énergie brute de la scène classique, s’inspirant notamment de Led Zeppelin, Fleetwood Mac, Cream, Joan Jett ou Debbie Harry. Leur parcours débute lors d’un concours musical à l’école, rapidement suivi par des performances de rue à Belfast. Polyvalentes, elles alternent guitare, basse, batterie et chant — un jeu d’échange devenu leur véritable signature scénique.

Avant Dea Matrona, les deux artistes jouaient déjà ensemble dans de petits événements locaux, peaufinant leur son et leur présence sur scène. Leur goût prononcé pour l’autoproduction et l’esprit Do It Yourself leur permet de forger un univers distinct, où puissance et élégance se mêlent sans compromis. Ce travail acharné leur a valu une communauté fidèle, dépassant aujourd’hui 200 000 abonnés en ligne et plusieurs millions de vues sur YouTube.

Un succès fulgurant et reconnu

La reconnaissance internationale arrive en 2020 grâce à leur reprise de “Oh Well” de Fleetwood Mac, visionnée plus de 4 millions de fois. Ce succès viral leur ouvre les portes des grands festivals et des plateaux télé. Suivent des compositions originales saluées par la critique : “Make You My Star”, qui atteint la première place des charts rock iTunes au Royaume-Uni et en Irlande, ou encore “Stamp On It”, sacré Single of the Year aux Northern Ireland Music Prize.

En 2024, elles franchissent un cap décisif avec la sortie de leur premier album For Your Sins, autoproduit et entièrement écrit par le duo. Le disque s’impose dans le top 15 des charts écossais et britanniques (catégories physique, vinyle et indépendant). Mélange de riffs puissants, de mélodies entêtantes et de textes introspectifs, l’album explore les thèmes du désir, de la liberté et des tensions morales, affirmant la maturité artistique du groupe.

Magic Spell : un sort envoûtant signé Dea Matrona

Sorti en octobre 2025, le nouveau single “Magic Spell” confirme la trajectoire ascendante du duo. Écrit et produit par Mollie McGinn et Orláith Forsythe, le titre prolonge l’esprit de For Your Sins tout en y ajoutant une dimension plus cinématographique et sensuelle.

La chanson met en scène une femme mystérieuse et puissante, incarnant une forme de magnétisme presque surnaturel :

“She’ll make a man of you with a magic spell.”

Le morceau explore le pouvoir de séduction, les jeux d’attraction et les relations ambiguës, porté par un refrain incandescent et des guitares hypnotiques. L’ambiance visuelle et sonore évoque un sortilège moderne, entre mystique et sensualité.

Magic Spell n’est pour l’heure rattaché à aucun album studio, mais il s’impose déjà comme une étape majeure dans l’évolution de Dea Matrona. Le morceau séduit la critique et le public, et confirme le duo comme l’un des visages incontournables du rock féminin européen.

Star de la semaine sur RADIO COLLECTION

Coup de cœur de la rédaction, “Magic Spell” est élu “Star de la Semaine” sur RADIO COLLECTION. Un titre envoûtant, énergique et irrésistible — à (re)découvrir chaque soir à 18h sur notre antenne.

Gyasi dévoile Apple Tree : une ballade glam rock entre nostalgie et modernité

Sat, 18 Oct 2025 04:00:00 +0000

Gyasi revient sur le devant de la scène avec un nouveau single Apple Tree. Fidèle à son esthétique glam rock, il propose un morceau à la fois nostalgique et pop, où transparaissent les influences de la grande tradition britannique des années 70.

Contrairement à son processus habituel, Gyasi a choisi d’écrire Apple Tree au piano, cherchant à créer une atmosphère plus aérée et intimiste. Les couplets volontairement épurés laissent place à un refrain au groove affirmé, entièrement réécrit en cours de route pour gagner en ampleur. Le résultat : une ballade amoureuse teintée de nostalgie, où l’arbre devient métaphore de l’amour, de la mémoire et du retour aux origines.

Avec ses arrangements sophistiqués, piano omniprésent, cordes et chœurs, Apple Tree s’inscrit dans la grande lignée du glam britannique. Plusieurs critiques évoquent des parallèles avec David Bowie, notamment l’ambiance de Oh! You Pretty Things, tant pour les harmonies vocales que pour la dimension piano pop. Gyasi y injecte néanmoins sa propre patte moderne, entre théâtralité, flamboyance et énergie scénique, confirmant son rôle de passeur entre héritage et création contemporaine.

Pour Gyasi, l’image de l’arbre symbolise le point de départ des émotions, un espace de souvenirs et de retour vers ce qui fonde l’amour. Fidèle à son identité scénique, l’artiste conserve son goût pour les tenues flamboyantes, les personnages inventés et une présence scénique qui le rapproche des figures iconiques du glam.

Apple Tree est la meilleure nouveauté de la semaine sur nos ondes, à découvrir chaque soir à 18H dès aujourd'hui.

Richard Ashcroft : l’amour et la lucidité dans Lovin’ You

Fri, 10 Oct 2025 06:11:00 +0000

Richard Ashcroft, l’ancien leader charismatique de The Verve, revient sur le devant de la scène avec Lovin’ You, un nouvel album solo qui marque une étape à la fois intime et lucide dans sa trajectoire artistique. Après plusieurs années passées à revisiter son répertoire ou explorer de nouveaux formats acoustiques, Ashcroft renoue ici avec une écriture plus directe, portée par une sensibilité pop-rock à fleur de peau.

Un album centré sur l’émotion

Produit entre Londres et Manchester, Lovin’ You baigne dans une atmosphère chaleureuse, presque soul, où se mêlent cordes, guitares vintage et arrangements minimalistes. Le disque explore les thèmes qui hantent Ashcroft depuis toujours : la foi en l’amour, le besoin de rédemption, et la quête d’un sens dans un monde fragmenté. On y retrouve ce mélange unique de flamboyance et de mélancolie, signature du chanteur depuis l’époque de Urban Hymns.

« Ce disque parle de survivre à la tempête, de trouver la lumière à travers les yeux de quelqu’un qu’on aime », a confié Ashcroft lors d’une récente interview. Ce ton apaisé, presque méditatif, tranche avec ses disques plus sombres du début des années 2010.

Heavy News : une ballade lucide et bouleversante

Le morceau Heavy News, dévoilé comme single phare de l’album, cristallise parfaitement cette nouvelle période artistique. Portée par une guitare acoustique délicate et une ligne de basse feutrée, la chanson aborde la surcharge émotionnelle du monde moderne : un flot incessant d’informations, de peurs et de drames que chacun tente d’assimiler.

Ashcroft y chante la difficulté de rester humain à l’heure de la saturation médiatique, tout en conservant une lueur d’espoir. Cette dualité entre désillusion et spiritualité rappelle ses grandes compositions introspectives comme Lucky Man ou A Song for the Lovers.

Musicalement, Heavy News emprunte des accents de folk britannique classique, avec un refrain aérien et des harmonies vocales subtiles qui évoquent le meilleur de son songwriting passé. La production reste sobre, presque épurée, laissant transparaître la sincérité brute du texte.

Une continuité artistique assumée

Lovin’ You confirme la voie empruntée par Ashcroft depuis quelques années : moins de rock héroïque, plus de vérité émotionnelle. On y découvre un artiste apaisé, conscient du poids du temps mais toujours fidèle à sa mission : écrire des chansons qui capturent la condition humaine.

Heavy News est le titre star de la semaine sur RADIO COLLECTION, chaque soir à 18H.

BLONDIE : nouvel album en 2026

Wed, 24 Sep 2025 17:36:00 +0000

Depuis près de cinq décennies, Blondie continue de tracer sa route entre les époques et les styles. Né dans l’effervescence du New York des années 70, le groupe de Debbie Harry et Chris Stein a imposé un son hybride où se croisent punk, new wave, disco et pop, vendant plus de 40 millions d’albums et laissant derrière lui des classiques comme Heart of Glass, Call Me ou encore The Tide Is High. Aujourd’hui, Blondie s’apprête à écrire un nouveau chapitre de son histoire avec un nouvel album : High Noon.

Un nouvel album au printemps 2026

D’abord évoqué pour fin 2025, High Noon est désormais annoncé pour le printemps 2026. Ce douzième album studio sera produit par John Congleton, déjà aux commandes du précédent opus Pollinator (2017), et connu pour ses collaborations avec Lana Del Rey, Franz Ferdinand ou encore St. Vincent. Plusieurs clichés publiés en studio par Chris Stein et Debbie Harry laissent entrevoir une énergie intacte et une volonté d’oser de nouvelles expérimentations sans trahir l’ADN du groupe.

L’ombre et la lumière : Clem Burke, présent malgré tout

Ce nouvel album porte aussi une charge émotionnelle particulière. Le batteur historique Clem Burke, pilier de Blondie depuis plus de quarante ans, a enregistré ses parties de batterie avant son décès en avril 2025. Sa présence posthume sur High Noon transforme ce disque en un hommage vibrant, rappelant l’importance de son jeu énergique dans la signature sonore du groupe.

Des sonorités encore mystérieuses

Le contenu précis de l’album reste gardé confidentiel. Aucun titre ni aucune collaboration n’ont été dévoilés pour l’instant. Mais l’association entre Congleton et Blondie laisse imaginer un mélange subtil de tradition et de modernité : un son fidèle aux racines punk et new wave, enrichi par une production audacieuse et contemporaine. Debbie Harry a récemment évoqué la volonté de livrer un album « très Blondie », à la fois fidèle à l’identité du groupe et ouvert à de nouvelles influences.

Avant High Noon, le retour de No Exit

En attendant, les fans pourront se replonger dans une autre étape clé de l’histoire de Blondie. Le groupe publiera fin octobre 2025 une réédition Deluxe de No Exit, l’album de 1999 qui avait marqué le grand retour du groupe après 17 ans de silence. Disponible pour la première fois en vinyle, cette édition proposera un remaster, des remixes, des morceaux rares et des bonus, dont une version inédite de Hot Shot. Un avant-goût idéal avant de découvrir les nouvelles compositions.

Une tournée attendue

Si aucun détail n’a encore été communiqué, tout laisse penser que la sortie de High Noon sera accompagnée d’une tournée mondiale. L’occasion pour Blondie de rappeler qu’au-delà de son héritage discographique, il reste avant tout un groupe de scène, capable de faire vibrer plusieurs générations de fans.

Entre mémoire et avenir

Avec High Noon, Blondie ne se contente pas de célébrer son passé. Le groupe cherche à inscrire son héritage dans le présent, en assumant à la fois la nostalgie des grands hymnes et l’envie d’innover. La disparition de Clem Burke confère au projet une intensité particulière, mais l’énergie créative de Debbie Harry et Chris Stein laisse présager un retour puissant et sincère. Blondie prépare ainsi un nouveau rendez-vous qui pourrait bien réaffirmer sa place unique dans l’histoire du rock.